Entrevista com Os Discretos | Som Obscuro
Conversamos com The Discretes sobre seu processo colaborativo, criatividade e muito mais em torno de seu novo álbum. Novo álbum imersivo, In Sore Bless, que mescla influências de art rock, ambient, noise e trip-hop em uma experiência auditiva cativante.
Como vocês dois se conectaram inicialmente e o que motivou a decisão de colaborar como The Discretes?
Nós nos conhecemos em um show do Diamanda Galas em Nova York. Estávamos sentados um ao lado do outro e, após o show, estávamos ambos sob o feitiço de Galas e ficamos conversando um pouco sobre a experiência. Conversamos brevemente sobre nossos próprios projetos e CECILIA me contou sobre seus projetos atuais, incluindo um novo disco em que ela estava trabalhando. Esse disco acabou se tornando Adoration lançado pela Halcyon Veil. Ganhei uma cópia do LP quando foi lançado e me tornei fã. Isso coincidiu com um período de transição para mim, não tendo tempo suficiente para me comprometer a tocar numa banda e trabalhar em projetos solo ocasionais. Eu também me interessei por sons eletrônicos e de sintetizadores e, mais importante, queria dar continuidade à minha aspiração de longo prazo de colaborar com um cantor. Mantivemos contato, compartilhando ocasionalmente trabalhos em andamento e comecei a ter uma noção mais forte da criatividade intuitiva e da narrativa de histórias de CECILIA, que eu admirava. Perguntei se ela estaria interessada em uma colaboração e apresentei alguns rascunhos instrumentais como exemplos. Ela gentilmente concordou e decidimos gravar juntos.
CECILIA, depois de mais de uma década produzindo seu próprio trabalho solo, In Sore Bless marca sua primeira vez assumindo estritamente o papel de vocalista. Como foi abrir mão do controle instrumental e confiar inteiramente na produção de Ali?
Acho que, de alguma forma, o desafio de abrir mão do controle foi o ponto principal, uma grande parte da emoção de realizar este projeto. Eu certamente estava com medo de ‘só’ cantar, estava definitivamente fora da minha zona de conforto. Nunca pensei em mim como cantor. Embora minha voz seja muito importante e muitas vezes o centro de gravidade na produção de minha música, eu a uso mais como a voz de uma atriz que dirigiria para conduzir meu roteiro psíquico. Sempre senti que esta voz só poderia caber no contexto das minhas próprias produções, que só poderia servir e fazer sentido dentro do meu próprio mundo.
Mas então, as demos instrumentais que Ali me enviou eram lindas e comoventes o suficiente para que eu me senti inspirado a focar apenas nos vocais. Eles também soaram novos aos meus ouvidos, diferentes o suficiente do que eu faço e das colaborações que fiz anteriormente, para despertar minha curiosidade e despertar minha motivação. Eu vi isso como uma oportunidade de me desafiar como cantor e letrista e me divertir com isso. Escrever letras é algo que nunca separei da composição, gravação ou mesmo mixagem. No meu próprio trabalho, todos esses processos se sobrepõem e informam uns aos outros. Também sempre contei muito com a improvisação com todos esses elementos na hora de compor. Mas desta vez tive que abordar a escrita de uma forma um pouco mais consciente e deliberada. Foi bastante instrutivo.
O conceito de criatividade agindo como um “filtro passa-banda” – cortando o ruído da vida para focar no que o move – é o tema central deste lançamento. Como essa filosofia orientou as sessões de composição e gravação do disco?
Um filtro passa-banda equivale a aumentar, diminuir o zoom e focar, mas em áudio. Você escolhe uma frequência central que é o seu ponto focal e, em seguida, seleciona uma faixa estreita ou ampla de frequências em torno dessa frequência. Uma técnica comum é definir um filtro passa-banda estreito para varrer uma faixa de frequências para aprimorar uma frequência que você deseja amplificar ou, inversamente, para varrer uma frequência que deseja reduzir.
Todos nós existimos no ruído da vida, o que pode confundir nosso foco e tornar difícil ouvir e ouvir com clareza, encontrar uma perspectiva não fraturada e encontrar o equilíbrio. A criatividade é uma forma de reorientar. Você aprimora as frequências que deseja amplificar e, ao mesmo tempo, reduz as frequências interferentes. É uma analogia adequada e, em termos práticos, durante a produção do disco, os atos de focar, aumentar ou diminuir o zoom tornam-se ferramentas para cultivar e manter o impulso criativo. Podemos aplicar as mesmas ideias a um fluxo de trabalho onde alternamos regularmente um foco mais estreito e mais amplo, onde adicionamos camadas para obter maior densidade ou removemos camadas para criar espaço, experimentar e voltar com novos ouvidos depois de trabalhar em uma música diferente.
Existem escritores ou artistas específicos cuja presença foi particularmente forte enquanto trabalhavam nessas músicas?
CECILIA — Pessoalmente, voltei à poesia de Marie Uguay, uma poetisa quebequense que adoro. Ela publicou apenas uma coleção antes de morrer de câncer ósseo em 1981, aos 26 anos. Sua escrita é visceral, enraizada em um corpo que luta à beira da morte, mas repleta de um intenso desejo de viver e de uma profunda consciência do milagre sensual de estar vivo. Também estava relendo Fogos (Feux) de Marguerite Yourcenar, que para mim é o seu livro mais íntimo e poético. Ela fala através de figuras reinventadas da mitologia grega para processar suas próprias experiências de amor, perda e destruição. Lê-lo foi como ouvir uma peça musical devastada pós-catástrofe, quebrada, mas ainda em movimento, desvendando visões vívidas de eventos trágicos. E depois havia Dalida, não tanto pela sua música, mas pela sua presença, quase como uma figura mitológica. Em algum momento durante a gravação de In Sore Bless, eu estava assistindo muitas de suas entrevistas e ouvindo suas músicas, tão emocionado com a maneira como ela carregava tristeza, melancolia, saudade e glamour ao mesmo tempo.
Ali, dada a sua experiência em gravação e experimentação de ruído, como a abordagem vocal de CECILIA influenciou a maneira como você estruturou e colocou os instrumentais em torno da voz dela?
O trabalho de CECILIA contém uma dimensão experimental inata que me cativou imediatamente e tirei muitas sugestões da sua música. Imaginei um ponto de partida como um esboço, apenas a semente de um fundo rítmico e harmônico, um tanto mínimo e bastante repetitivo. A ideia era proporcionar palco e espaço para CECÍLIA construir uma narrativa e sua voz. As melodias motrizes são todas cantadas por ela e, em alguns casos, instrumentos foram adicionados para acentuar seus vocais.
Eu diria que a minha abordagem no estabelecimento de uma base ou faixa vocal fundamental foi bastante tradicional, mas aberta a mais experimentação e exploração na tentativa de moldar certas sonoridades, combinando ou alternando uma proximidade mais íntima e um som mais espaçoso e etéreo.
As faixas se movem fluidamente entre inglês, francês e italiano. O que geralmente determina qual idioma melhor se adapta a uma música específica, e a mudança de idioma altera a energia ou a entrega vocal?
Nada além da intuição e do erro de tentativa dita em qual idioma cantarei, tudo acontece de forma simples e natural. Cada idioma certamente tem sua própria energia e contornos de entrega, refletindo minha relação com cada um. Em francês, sinto-me mais brincalhão e livre para desconstruir a linguagem e explorar o som das palavras, embora também seja mais crítico e facilmente propenso a me encolher. Isso dá uma sensação contida e um clima contemplativo, eu acho. Gosto do inglês para trabalhar com ideias mais simples e uma linguagem emocional mais direta; brinque com clichês e tropos familiares de canções de amor / canções pop. Há algo mais imediato nisso, onde a simplicidade pode criar um impacto claro. Raramente escrevo em italiano. Quando faço isso, é principalmente como exercícios pedagógicos para continuar aprendendo e melhorando. Mas para Remedium, voltei a um fragmento de diário de 2018, uma carta que nunca enviei para uma paixão que tive enquanto morava em Nápoles. Parecia que tinha sido escrito por uma criança de dez anos. Eu realmente não conseguia explicar por que queria usá-lo.
Da fita de quatro pistas aos osciladores desafinados, o disco carrega um peso analógico muito tátil. Quais instrumentos, equipamentos ou técnicas de estúdio foram cruciais para capturar as distintas paisagens sonoras do álbum?
Como uma colaboração principalmente de longa distância, a produção foi um processo incremental. Investimos mais tempo nas fases iniciais, tentando definir os sons e abordagens que mais gostávamos e que mais nos inspiravam. À medida que uma coleção interessante de sons começou a surgir, nosso fluxo de trabalho também evoluiu. Na fase de gravação, seguimos uma abordagem “tudo é justo” por necessidade, de modo que os meios e métodos eram uma mistura de espaços e equipamentos. O ambiente âncora era a venerável instituição de gravação caseira com uso ocasional de estúdio e espaço de ensaio. Havia uma variedade de equipamentos, bastante inconsistentes como um todo entre as músicas. Na fase de mixagem, conseguimos uma boa parte de dias consecutivos dedicados a melhorar a formação do som e a coesão geral.
Para listar alguns equipamentos específicos – os vocais usaram vários microfones, mas a maioria das tomadas do disco usaram um Sennheiser MD 441-U. No violão, experimentei microfones diferentes, mas o que fez a maior diferença foi usar cordas planas. A mixagem é onde tudo se juntou e passou duas vezes por uma cadeia predominantemente analógica. Uma passagem por um mixer APB Dynasonics H1020 para fazer hastes instrumentais e vocais e outra passagem imprimindo as hastes em fita em um TEAC A-3340. Um compressor notável que gostaria de mencionar foi o SKnote Vastaso e um equalizador notável, o GOLY PQ2. Para efeitos baseados no tempo, um Jomox T-Resonator II e o Meris Mercury7 ajudaram a levar os sons ainda mais longe. Não posso dizer que existam técnicas secretas ou inovadoras, apenas passagens ou explorações repetidas, não para conseguir um som hi-fi, mas um som quente, taciturno, ressonante, espesso ou patinado (como CECILIA gosta de descrever), conforme melhor se adapta à expressão da música.
Se você pudesse colaborar com qualquer artista, vivo ou morto, quem seria?
Ali – Esta é uma pergunta intimidante! Optando pela opção morta, gostaria de aproveitar a oportunidade para viajar no tempo até tempos de música pré-gravada ou talvez até os primórdios do cilindro de cera. Seria interessante realizar uma viagem musical pelo mundo, munido de um bom gravador digital portátil, ca. 900 DC. Ou leve um sintetizador drone e uma guitarra elétrica para Istambul do início de 1900 e toque com Tanburi Cemil Bey.
CECILIA — Espontaneamente, sem pensar muito, diria a companhia de dança contemporânea Peeping Tom, fundada por Gabriela Carrizo e Franck Chartier e sediada na Bélgica. Fazer uma trilha sonora original para um de seus shows seria definitivamente um sonho. Sua linguagem e estética falam através de mim. Cenários hiperrealistas são abalados e escancarados, e nós, espectadores, nos tornamos voyeurs, testemunhando cenas que parecemos que não deveríamos ver. Além disso, há anos venho pensando na ideia de enviar um instrumental para Brigitte Fontaine, mas nunca encontrei coragem. Ela é minha poetisa viva favorita, cantora e graciosa alma rebelde. Ela está além. E na categoria morta, eu diria que gostaria de escrever um dueto romântico com Chet Baker.
Qual você acha que é a parte mais gratificante de ser um artista?
Ali – A parte mais satisfatória é conectar-se com as pessoas de uma forma evocativa ou instigante. A música, especialmente, pode atrair um nível primordial e emocional. Com a sua natureza transitória e fugaz, é uma forma de expressão muito humana. Você cria uma estrutura e ela ganha vida própria. É uma centelha latente que pode deixar alguém curioso, ou consolá-lo, dar a alguém um senso de equilíbrio ou uma certa perspectiva, talvez até mesmo tornar-se parte de uma memória querida.
CECILIA – Acho que não posso falar da minha alegria de criar em termos de satisfação. O que adoro profundamente, mesmo nos momentos mais dolorosos do processo, é a pesquisa/escuta ativa que me faz sentir intensamente viva, crua, presente para o mundo. Uma peregrinação, uma fuga radical, que, no entanto, me fundamenta e me ancora de volta à existência. Algo íntimo, mas estranhamente estranho, quase estranho para mim, algo que é meu e ao mesmo tempo me excede, não me pertence.
Há uma alegria em cavar, em desenterrar, como uma escavação da psique ou da alma. Muito, muito raramente, sai de mim algo que me surpreenda ao encontrar, algo estranho a mim mesmo. Eu me sinto como um voyeur. Pode até me deixar desconfortável, ou me fazer sentir uma espécie de constrangimento, mas ao mesmo tempo sei que é certo e verdadeiro. Esse sentimento é incrivelmente raro e desaparece rapidamente. Em última análise, é isso que me dá a sensação mais forte de existir verdadeiramente em minha própria singularidade, por mais matizada ou contraditória que ela seja.
Todas as arestas ásperas e afiadas da experiência, todas as dissonâncias e paradoxos cognitivos podem de alguma forma ser reconciliados e mantidos juntos dentro da ficção invisível, intangível e onírica de uma peça musical. É uma reconciliação absoluta de um conflito insolúvel. É uma necessidade existencial que antecede a escuta.
