Entrevista com Benjamin Dean Wilson

Combinando talento cinematográfico com humor teatral, Benjamin Dean Wilson cria um ambicioso “filme para os ouvidos” em Until the House Falls. Inspirado por se proteger de um tornado em sua casa em Oklahoma, o projeto se desenrola como uma peça de rádio em quatro partes, fundindo folk rock progressivo, vaudeville, indie e teatro musical em uma narrativa abrangente e baseada em personagens. Conversamos com Wilson sobre como construir a história primeiro, equilibrar o humor com o drama e traduzir os instintos visuais em uma forma puramente sonora.

Até a casa cair funciona como um drama de áudio expansivo, misturando folk rock progressivo, vaudeville, indie e teatro musical em uma narrativa interconectada. Na estruturação do projeto, a história ou a música vieram em primeiro lugar?

Na maior parte, a história veio primeiro. Basicamente comecei com três ou quatro músicas e ideias que formaram a base do projeto. A partir daí comecei a construir um esboço para a peça completa. A seguir preenchi o esboço com as músicas que eram necessárias em certas partes da história. Por último escrevi as cenas que conectavam as músicas.

O lançamento se desenrola como uma peça de rádio em quatro partes ao lado de versões de músicas independentes. Como seu processo de composição e arranjos diferiu ao criar músicas destinadas a funcionar narrativamente e de forma independente?

Não sinto que meu processo tenha mudado muito. A primeira consideração para a música foi levar a história adiante, mas se houvesse uma maneira de fazer uma música funcionar como um número independente, então eu definitivamente tentei me apoiar nisso também. Um exemplo disso é a música “Home in the South”, que achei que poderia funcionar nos dois sentidos. Para a versão narrativa da música há um interlúdio musical onde os personagens falam falas, há narração, efeitos sonoros, etc. Mas durante a versão autônoma da música há apenas o interlúdio musical sem diálogo, narração ou qualquer um dos outros elementos.

A abertura “Tornado!” apresenta aos ouvintes um mundo cinematográfico de personagens, efeitos sonoros e mudanças de perspectivas. Quais foram os maiores desafios criativos na tradução dos instintos visuais de contar histórias em forma puramente sonora?

Tive que explicar as coisas um pouco mais do que faria em uma forma de arte visual. De certa forma, parecia que eu estava escrevendo para uma produção teatral minimalista que acontecia em um palco vazio, sem quaisquer acessórios. Em vez de o público ver o local, o roteiro, os atores e o design de som teriam que descrever o local de uma forma que convidasse o público a usar sua imaginação e embarcar no passeio.

Tendo experiência em cinema e narrativa musical, como sua experiência na direção de filmes influenciou o ritmo, os arcos dos personagens e a tensão dramática ao longo do álbum?

Escrevi todo o primeiro rascunho do projeto exatamente da mesma forma que escreveria um filme. Só em rascunhos posteriores é que percebi que este projeto funcionaria melhor como uma peça de rádio e comecei a ajustá-lo para esse meio. Então, tudo o que eu teria feito para um filme em termos de história, ritmo e tensão dramática, fiz também para esta peça de rádio.

Faixas como “Busy Day” e “Sleepless Night” movem-se rapidamente entre mudanças tonais – do humor à tensão e à bravata teatral. Como você mantém a coesão enquanto navega por essas mudanças estilísticas dinâmicas?

Na vida, as coisas podem ir do engraçado ao ridículo e ao dramático em alguns segundos, então parecia natural ter esses tipos de mudanças tonais no rádio também. Eu senti que se a história, a música, a atuação e todos os outros elementos estivessem funcionando, a coesão do projeto se uniria por si só.

O projeto conta com um amplo elenco de personagens com personalidades e identidades musicais distintas. Ao compor, você atribui paletas sonoras ou instrumentação específicas a diferentes papéis na história?

Sim e não. Provavelmente tive algumas paletas específicas que foram atribuídas a personagens diferentes, embora não tenha sido exatamente uma decisão consciente. Eu estava constantemente ajustando os arranjos para achar o que soava melhor para as vozes únicas dos artistas. Se vozes diferentes fossem escolhidas nesta produção, tenho certeza de que teria arranjado as músicas de maneira diferente para se adequarem às suas vozes.

O álbum equilibra o humor sardônico com tendências dramáticas mais sombrias. Como você aborda esse equilíbrio para que a comédia aumente, em vez de diminuir, os riscos emocionais?

Na verdade, pensei nisso ao contrário. Eu vi a peça antes de tudo como uma comédia. Há partes dramáticas por toda parte, mas tentei mantê-las relativamente bem-humoradas (pelo menos no tom) para combinar com a bobagem geral do conceito. Uma pequena opereta divertida e sombria.

Se você pudesse colaborar com qualquer artista, vivo ou morto, em um projeto teatral ou conceitual, quem seria – e que tipo de produção vocês imaginariam juntos?

Morto: Talvez Bob Fosse. Não tenho nenhuma habilidade em dança ou coreografia e acho que seria legal escrever algumas músicas que pudessem ganhar vida através dessa forma de arte.

Vivo: Talvez Eteri Tutberidze e/ou Kamila Valieva. Algum tipo de musical de patinação no gelo sobre a polêmica olímpica de 2022.

Depois de se aventurar no drama de áudio com Até a casa cairquais direções criativas parecem mais emocionantes no futuro: lançamentos mais narrativos, projetos de filmes ou experimentos musicais inteiramente novos?

A decisão de trabalhar em um tipo de projeto em detrimento de outro tem a ver com quais ativos posso obter e quais oportunidades estão disponíveis no momento. Às vezes as coisas se alinham e parece um ótimo momento para reunir um monte de gente e trabalhar em um grande projeto de filme de um ano e às vezes parece mais natural trabalhar em um pequeno álbum onde eu mesmo toco todos os instrumentos. Às vezes é algo intermediário. Projetos diferentes parecem igualmente emocionantes para mim de maneiras diferentes.