Entrevista com Suzanne Jarvie – Som Obscuro

No ‘dia das mães’, Suzanne Jarvie canaliza a dor, a mitologia e o cálculo materno em algo íntimo, mas expansivo, onde o folk e a cultura norte-americana se entrelaçam com um fascínio sonhador. Nas canções moldadas pelo piano, pelo símbolo e pela história, a perda pessoal torna-se uma meditação sobre mortalidade, resistência e renovação. Conversamos com Suzanne sobre como navegar na tristeza, arquétipos heróicos e o poder silencioso tecido ao longo do disco.

Seu novo álbum dia das mães explora o luto, a aceitação e a interseção da perda pessoal e universal. Como você navegou nessas emoções enquanto moldava o tom e a estrutura geral do álbum?

Difícil responder a isso. Às vezes navego em emoções complexas e outras vezes elas me guiam. À medida que estávamos gravando e mixando, o arco geral da música e da história parecia se fundir em torno de um clima resoluto, solene, suave e envolvente. A turbulência da dor, do geral ao específico, parecia encontrar seu lugar de descanso naquele estado de espírito. Honestamente, minha raiva também se dissipou ali.

O álbum mistura folk e cultura norte-americana com elementos místicos, oníricos e às vezes perturbadores. Como você equilibra composições fundamentadas com explorações do subconsciente e imagens simbólicas?

Não tenho certeza se há equilíbrio consciente. Embora subconscientes, os sonhos estão cheios de fragmentos de quase realidade. As coisas estão acontecendo, há ação. Há um espaço em que estou quando escrevo, de modo que não importa o quão metafórico ou semiconsciente eu esteja no momento, estou sempre escrevendo sobre algo real que está me consumindo – algo que está acontecendo ou aconteceu ao qual estou reagindo. As imagens e o simbolismo podem parecer misteriosos, mas não são abstratos. O lirismo está sempre ligado a algo real. Para mim, isso é equilíbrio. Às vezes eu passo para uma expressão concreta, embora pessoalmente eu seja muito resistente a composições totalmente concretas.

Várias faixas, incluindo “Honeycomb” e “Caterpillar”, foram compostas ao piano e destacam a formação clássica. Como a escolha do instrumento influencia o peso emocional ou narrativo de uma música?

O piano é tão aterrador. Eu estava sofrendo por causa de um dos meus filhos e brincando com uma coisa simples, “Frère Jacques” em dó, que todas as crianças começam no piano. O piano e a melodia refletiam tanta inocência, e eu estava delirando com a inocência arruinada – tão frustrada, desesperada e querendo sequestrar e salvar meu filho. Escrevi a letra de “Caterpillar” enquanto brincava com a canção infantil. O piano era perfeito para a abertura suave, subindo até o estrondo e descendo até a rendição.

Em “Honeycomb”, que fala sobre medo, fuga e santuário, o piano me ajudou a encontrar a escuridão e a sensação de marcha resoluta.

Mitologia, eventos históricos e experiências pessoais se cruzam no álbum, desde coelhos pretos até a história de Litvinenko. Como você decide quais narrativas ou símbolos inserir em uma trilha?

Presto atenção enquanto meus sentimentos e pensamentos flutuam juntos. Eu não “decido” de forma totalmente consciente. O que me move ou me inspira varia. Eu leio muito e sou obcecado por histórias épicas de ficção científica, mitológicas e de fantasia de “heróis com mil faces”.

Enquanto gravava o disco, eu estava muito preocupado com Navio aquático abatido como uma história heróica primária. Um coelho parecido com Cassandra tem uma premonição horrível e sangrenta sobre a destruição do viveiro. Sua visão é rejeitada, mas um pequeno grupo leva isso a sério e foge. A jornada está repleta de perigos e maldades. Eles devem encontrar coisas para sobreviver. Mesmo depois de encontrarem a sua nova casa – no centro da qual está o “favo de mel” – eles têm que travar uma guerra terrível para mantê-la. Há um tremendo compromisso com o sacrifício. O anjo da morte deles é o coelho preto de Inlé, que é “medo e escuridão eterna”. Essas coisas me interessam muito quando penso na perda e na mortalidade.

Sinto-me atraído por símbolos de resistência e força e pelo papel vital que atores pequenos ou invisíveis desempenham nas histórias e na vida. Como disse Tolkien, o mito é feito de “verdade”, algumas das quais só podem ser reveladas dessa forma.

Não há problema em reconhecer que às vezes fica horrorizado com a própria vida e com o mundo. Contemplar a perda e a morte é natural. Experimentar a perda pode fazer você se sentir vítima de um predador invisível. Muitas vezes penso no terror que os veteranos têm de enfrentar. Não sou niilista — adoro estar vivo e criar: crianças, música, comunidade. Depois, há a história de Litvinenko. Falo sobre isso em outra pergunta abaixo.

A colaboração com suas filhas nos vocais de apoio adiciona camadas de ressonância familiar. Como o envolvimento deles moldou as texturas ou o significado das músicas para as quais contribuíram?

Suponho que isso cria um senso de continuidade e fortalece nossos laços e amor um pelo outro ao fazermos música juntos. A perda sobre a qual escrevo também é a perda deles, vivenciada de forma independente e única. Suas vozes compartilham certas frequências com as minhas, o que adicionou um tipo misterioso de coesão musical para mim.

A arte do álbum baseia-se fortemente em motivos naturais e simbólicos, particularmente coelhos e a floresta. Como os conceitos visuais interagem ou melhoram a narrativa musical em dia das mães?

Joseph Campbell escreveu sobre a jornada do herói. Grandes escritores e cineastas contaram essa história em infinitas variações em termos épicos. Mas acredito que cada pessoa é um herói em sua própria vida. Em algum momento, todos nós experimentamos a queda, uma jornada e um retorno – aos poucos. Para nos despertar para o real propósito da vida, que certamente não é ser confortável.

A capa traz três símbolos da morte ou do “submundo”: o ceifador no galho, o coelho preto e os grandes buracos nas duas árvores principais como portais. Meus quatro filhos e eu estamos na floresta porque me refugio no mundo natural. Meus meninos desviam o olhar. Minhas meninas e eu enfrentamos o espectador. As nossas armas representam ferramentas nas guerras espirituais e emocionais que enfrentamos. Coelhos por toda parte – rostos inocentes, férteis, lindos, suaves e em formato de coração. São presas, mas também lutadores: resilientes, sobreviventes. Ao meu lado, no toco da árvore, está meu próprio coelho, Casper, uma criatura muito misteriosa por si só. A garça azul representa meu parceiro, segurando o mundo em seu bico.

É pessoal, mas também reflete a música título, onde escrevo e canto na voz da terra feminina – uma mãe que nos deu tudo através de seu corpo e já está farta. A visão artística estava na minha mente, mas eu nunca teria conseguido realizá-la sem Kima Lenaghan, que é uma artista brilhante.

Temas de maternidade, mortalidade e responsabilidade humana são recorrentes ao longo do álbum. Como você aborda a transmissão de conceitos tão importantes sem sobrecarregar o ouvinte?

Musicalmente, eu teço dinâmica, beleza e resolução em temas líricos sombrios para proporcionar espaço e alívio. Estou fazendo isso por mim e também pelo ouvinte. Fiquei impressionado com minha própria experiência e, às vezes, com as experiências de outras pessoas.

Eu fico muito granular e seletivo ao revisar mixagens e takes. Às vezes simplesmente cortamos coisas e recomeçamos. “Caterpillar” e “Polonium” são bons exemplos. Há muita tristeza em “Caterpillar”, mas fui inspirado a escrever algo suave e tranquilo, com alguns compassos de uivo por um momento e depois silêncio no Fá maior. Tipo, está tudo bem – eu só precisava tirar isso – mas estamos calmos novamente. Mais ou menos como ser pai. Todos nós somos menos eficazes quando nos sobrecarregamos com muita emoção.

“Polonium” é uma música sobre assassinato – algo horrível, uma atrocidade. Eu estava obcecado com os fatos (meu advogado). A letra reflete o horror e a condenação do que foi feito. Imaginei sua esposa ao lado dele tentando confortá-lo enquanto ele estava morrendo. Eu falo com os perpetradores. Mas a música começa e termina muito suave e passa o tempo em espaços etéreos e arejados. O ouvinte pode absorver a criação em um espaço misterioso, mas não esmagador.

“Dia das Mães” é semelhante. Misturada com a raiva e o desespero está uma instrumentação linda e envolvente. Espero que outros sintam isso. “Emissário Temporário” é como uma revisão de toda a minha vida, com a minha filha mais nova no centro. É sinuoso e solitário, mas pretende ser pacífico.

Se você pudesse colaborar com qualquer artista, vivo ou morto, quem seria?

Agora mesmo? Leonard Cohen ou Laura Nyro.