Entrevista com Jason Vitelli – Som Obscuro

Combinando experimentação de vanguarda com um espírito composicional profundamente pessoal, ‘2. No Wave Gaze ‘abraça o espírito anticomercial do centro de Nova York do final dos anos 70, ao mesmo tempo que canaliza o design de som moderno em algo envolvente e imprevisivelmente vivo. Conversamos com ele para discutir a liberdade criativa, a assunção de riscos sonoros e a evolução da linguagem de seu trabalho.

2. Sem olhar ondulatório inspira-se no espírito experimental e anticomercial do NYC No Wave do final dos anos 70, ao mesmo tempo que adota o design de som moderno. Que aspectos da filosofia criativa daquela época ressoaram mais fortemente em você ao fazer este álbum?

Eu me identifico intimamente com a sensibilidade sem restrições que permeou o movimento No Wave. Muitas vezes, vejo artistas lutando em um atoleiro de idiomas para se encaixar no mercado. Diretrizes arbitrárias que somos instados a seguir podem sufocar a criatividade e forçar uma estaca quadrada a se transformar em um buraco redondo. Embora alguns ouvintes possam cair no esquecimento, forçar o envelope sonoro (trocadilho intencional) amplia o vocabulário e traz inovação. Sou um experimentador de coração e a alquimia das técnicas modernas de design de som que aprendi na universidade e através de projetos cinematográficos subsequentes me deu o ímpeto para criar grande parte deste trabalho.

O álbum prospera em paisagens sonoras desorientadoras, mas envolventes, muitas vezes desafiando ideias convencionais de melodia e estrutura. Ao construir uma peça, você tenta intencionalmente subverter as expectativas do ouvinte ou isso acontece de forma orgânica?

A forma de muitas peças desta coleção surgiu como um produto da sua concepção, e não como um meio para atingir o seu fim. Talvez esse senso invertido de lógica seja o que frustra as expectativas. Costumo usar dicas de filmes para compor, de modo que as escolhas que faço se relacionem com o que está acontecendo física e emocionalmente na tela. Também usei coreografia de dança para escrever nesse método.

“Standing at Your Doorstep” transforma detalhes sonoros do cotidiano – toque de telefones, respiração, texturas ambientais – em algo cada vez mais tenso e cinematográfico. O que o atrai a recontextualizar sons familiares de maneiras perturbadoras?

Assim como a consonância e a dissonância criam uma sensação de tensão e liberação, os efeitos sonoros podem fornecer um efeito semelhante de empurrar/puxar na linha do tempo auditiva. Há uma infinidade de exemplos desta abordagem composicional, que é muitas vezes referida como Musique Concrète. Você pode ouvir elementos dela no catálogo do Pink Floyd, bem como em muitas peças clássicas modernas dos anos 50 e 60. Depois que os artistas tiveram acesso a um gravador, as possibilidades criativas tornaram-se ilimitadas.

Você incorpora instrumentos caseiros e fontes sonoras não convencionais ao longo do disco, incluindo cordas modificadas e percussão baseada em brinquedos. Como essas ferramentas DIY influenciam o tom emocional ou a imprevisibilidade de suas composições?

“Train Alarm”, que desenvolvi originalmente para um comercial, é um excelente exemplo de como uma ideia nova pode estimular o espírito criativo. O produtor me pediu para usar os sons de clique do brinquedo anunciado como ponto focal da faixa de apoio. Depois que programei os sons individuais em meu sampler, sua energia frenética se traduziu em um patch de percussão excepcional.

O violoncelo elétrico caseiro que você mencionou eu usei em “Like Herding Cats”. Por não ser um luthier experiente, não nivelei o braço corretamente, porém ainda consegui curvar as notas como harmônicos de toque. Estes criaram um timbre fantasmagórico que inspirou a melodia improvisada e a subsequente seção canônica daquela peça.

Abordagens matemáticas e baseadas no acaso – como sequenciamento baseado em Fibonacci e processos aleatórios – desempenham um papel no design do álbum. Como você equilibra sistemas estruturados com expressão musical intuitiva?

Em “Grandfather Clock” e “Echo Chamber”, construí um caminho de sinal usando um ambiente de codificação de correção visual e interativo chamado Max. Como a queda de um dominó, esta ferramenta única desencadeia uma reação em cadeia, trazendo uma infinidade de resultados possíveis a partir de uma entrada inicial. Editando os earworms gerados por este software, juntei começo, meio e fim. É o ato de equilíbrio que você descreve, mas, em última análise, é governado pela intuição.

Faixas como “Like Herding Cats”, “Asimov’s Robots” e “The Black Lodge” exploram fragmentação, desconforto e texturas abstratas. Você pensa nessas peças mais como narrativas sonoras, experimentos conceituais ou algo totalmente diferente?

Não sei, mas acho que o álbum tem uma forte afinidade com Cinco peças para orquestra por Arnold Schoenberg. Descrevendo-as numa carta a Richard Strauss, ele disse: “São peças curtas de orquestra (entre um e três minutos de duração), não relacionadas ciclicamente… é disso que se trata: absolutamente não sinfónicas – precisamente o oposto – sem arquitectura, sem estrutura. Apenas um intercâmbio brilhante e ininterrupto de cores, ritmos e estados de espírito.” Eu não poderia tê-los descrito melhor!

“A Piece of a Sing Along” mescla trechos vocais gravados com décadas de intervalo, criando um diálogo literal entre versões passadas e presentes de você mesmo. Como foi essa experiência do ponto de vista técnico e emocional?

Tecnicamente, o maior obstáculo foi converter os arquivos DAW mais antigos em uma sessão mais recente sem perder nenhum detalhe minucioso. Assim que comecei a trabalhar nisso, o processo pareceu uma colaboração sobrenatural que surgiu facilmente. No final das contas, não tenho certeza se estou melhor agora ou então, mas estou feliz por ainda ter vontade de fazer música e estar conectado ao momento. Existe uma espécie de magia no momento que transcende o tempo.

Se você pudesse colaborar com qualquer artista, vivo ou morto, quem seria?

Ah, são tantas possibilidades, mas acho que o artista que está sempre na minha cabeça é John Coltrane. A casa onde ele morou durante seus últimos anos ficava a apenas um quilômetro de distância de onde cresci. Gostaria de pensar que o seu espírito ainda permanecia no bairro e me ajudou a descobrir o meu caminho artístico. Ele nunca deixou que as restrições do gênero limitassem a música que ele criaria e se ele ainda estivesse vivo, sei que teríamos nos encontrado.

Com uma música clássica gravada ao vivo e um novo álbum do cantor/compositor supostamente em andamento, o que vem a seguir – e como você vê o seu som evoluindo a partir daqui?

A maior parte da música clássica já está escrita, então as gravações só precisam ser produzidas. Estou muito animado para dar vida a essas peças. No entanto, o projeto de composição será o prenúncio do meu futuro. As coisas sobre as quais sou levado a escrever agora serão o que representarei para o público no futuro. Resumindo, o problema da evolução é que nunca sabemos exatamente aonde ela nos levará. Só posso esperar que isso me aproxime de quem eu sou.