Entrevista com Alf Jetzer – Som Obscuro

Conversamos com o compositor suíço de vários gêneros Alf Jetzer, cujo recente álbum DESDOBRAMENTO chamou nossos ouvidos com suas texturas em camadas magistrais e profundidade cinematográfica. Ele detalha suas intrincadas técnicas de “pintura musical” e as práticas meditativas profundamente enraizadas que permitem que suas composições respirem uma vida tão singular.

DESDOBRAMENTO parece profundamente cinematográfico e transportador, misturando guitarras com duduk, percussão udu, taças cantantes e muito mais. Ao iniciar uma nova composição, você primeiro imagina uma “paisagem” sonora ou as texturas se revelam gradualmente durante o processo?

Não imagino uma paisagem. A coisa toda é orientada para o processo. Ao mergulhar profundamente nos instrumentos individuais e nas frases que toco neles (tornando-os meus), surge esta expressividade, que então cria imagens na mente do ouvinte. Essas imagens são diferentes para cada pessoa, dependendo de sua individualidade.

Você descreveu sua abordagem como “pintura musical”. Ao trabalhar em uma faixa como “There Was a Time”, como você decide quais instrumentos se tornarão as cores do primeiro plano em vez das sutis pinceladas de fundo?

O facto é que, medido em termos da sua substância interna (energia), cada instrumento poderia desempenhar um papel de liderança ou de segundo plano. A colocação na sala ocorre durante o processo. No final, também posso ouvir onde são necessárias algumas “pinceladas” finas. É importante que tudo esteja muito bem coordenado no final.

Muitas das músicas equilibram a percussão hipnótica com a revelação lenta da instrumentação – particularmente em “Zeitgeist”. Como você mantém esse senso de evolução do paciente sem perder o ímpeto ou a atração emocional?

Isso é algo que tem a ver com todo o meu modo de vida, com anos de meditação e internalização. Não se trata de brincar constantemente com algo novo para criar variedade, mas de tornar o que já existe ainda mais forte (expressividade).

Enquanto antes eram necessárias 100 notas para transmitir um certo poder, hoje isso pode ser feito com apenas algumas notas. Portanto, tem mais a ver com o desenvolvimento interior. Se você estiver totalmente presente internamente e dar tudo de si, nunca haverá pausas na peça. A energia está sempre presente, do início ao fim da peça. Até as pausas estão imbuídas dessa energia. Você não pode praticar algo assim em um instrumento.

Seu trabalho mescla música de meditação, world music, rock progressivo, jazz e elementos clássicos. Você molda conscientemente as interseções de gênero durante a composição ou elas emergem naturalmente da sua improvisação e experimentação?

O segundo é o caso. As transições de gênero surgem “por si mesmas”. Contudo, não chamo o ponto de partida de improvisação, mas sim de “composição imediata”. Isso é mais profundo do que a improvisação. Quando olho para dentro de mim, surgem formas musicais que podem ser atribuídas a gêneros.

Mas vistas de forma ainda mais original, estas criações musicais simplesmente surgem de uma necessidade musical de que algo soe mais ou menos como isto ou aquilo. Nesse sentido, deixei-me surpreender pelo resultado. Porque chega um ponto em que você não consegue mais influenciar o resultado com a mente.

Pode parecer um pouco rebuscado, mas as coisas, frases e sons mais bonitos sempre vêm como um “presente”. Você não pode praticar isso em um instrumento. Mas o que você pode fazer é preparar o “terreno” (ficar de bom humor) para que essas “joias” surjam naturalmente. Geralmente de forma inesperada. Isso acontece muito comigo, e é então uma “autenticidade completa” que não pode ser influenciada mentalmente. É criação e jogo contemplativo (observacional) = resultado de décadas de meditação.

Faixas como “OASIS” e “Cosmic Lila” evocam uma forte sensação de atmosfera e lugar. Você compõe tendo em mente imagens visuais ou ambientes específicos ou os destinos são mais abstratos e emocionais?

Nunca componho com imagens em mente. Uma imagem só se desdobra quando a composição está completa, criada pela expressividade (vitalidade) da obra. Cada ouvinte vê uma imagem diferente, dependendo da sua individualidade – ou também se pode dizer que ativa o cinema mental do ouvinte.

Cada composição leva cerca de dois meses para ser criada. Como é na prática essa linha do tempo criativa estendida – desde os esboços iniciais até a paisagem sonora envolvente final?

Eu sempre procedo da mesma maneira. Primeiro, simplesmente experimento coisas diferentes em um instrumento que me agrada no momento. Assim que recebo um “eco vindo de dentro”, mergulho nele. Para fazer isso, muitas vezes toco um padrão no instrumento por um longo tempo e o repito diariamente até que esse padrão se torne parte de mim. Às vezes também pode ser um trecho de uma melodia que surge, que também internalizo ao longo de vários dias. Esta se torna a base sólida sobre a qual construo tudo ao seu redor, tudo com a mesma dedicação e investimento de tempo.

O que também é importante é que eu faça pausas de vez em quando por dois ou mais dias para poder me distanciar e ouvir as coisas de forma objetiva novamente. E para todo o trabalho “Desdobramento”, fiz intervalos de duas semanas ou mais entre as peças antes de continuar. Isto conferiu a cada peça uma identidade especial porque incorpora uma espécie de mini-época. É muito diferente de se eu tivesse criado todas as peças, uma após a outra, sem interrupção. Isso também explica o prazo relativamente longo para tudo isso.

Você mencionou décadas de meditação moldando sua mentalidade artística. Como essa prática influencia o ritmo, a dinâmica e a quietude emocional presentes ao longo de todo o processo? DESDOBRAMENTO?

Vai além da maneira de pensar. A meditação leva você a um estado em que tudo o que você faz é vivido com muito mais intensidade. Este tipo de música dificilmente seria possível sem meditação. Provavelmente soaria bem, mas não teria profundidade.

Através da meditação, você também aprende a imensa paciência necessária para dar vida a essas composições. Cada detalhe, até as pausas, deve ser repleto de vida. Isto é conseguido mergulhando cada vez mais fundo na criação, tocando frases individuais repetidamente até que elas ganhem vida própria. O resultado é uma criação com altíssimo nível de energia do começo ao fim, independente de ser tocada rápida ou lentamente. Esta “energia por trás das notas” confere à obra o seu aspecto imersivo. Alguém poderia escrever um livro sobre essa interação entre música e meditação. Mas prefiro pôr estes factos em prática, torná-los tangíveis, em vez de apenas escrever sobre eles.

Se você pudesse colaborar com qualquer artista, vivo ou morto, quem seria — e que tipo de “pintura” sonora você imagina criar juntos?

Este nível de detalhe que busco aqui só pode ser alcançado sozinho. É como uma pintura: uma pintura só pode ser pintada por um artista; é a sua identidade, a sua assinatura reconhecível. Quando a música está num nível mais simples, posso definitivamente executar certas coisas com outros músicos no palco. Já fiz muito isso, especialmente no passado.

Mas aqui isto é tão distinto e “exagerado” que qualquer pequena mudança de direção resultaria em perda. Não pode ser reproduzido no palco. Como vivo muito no presente, no momento, continuo aberto caso surja algo novo em termos de colaboração. Não teria que ser apenas um bom músico, mas quase uma alma gêmea.

Depois de compilar mais de 40 anos de experiência em DESDOBRAMENTOo que vem a seguir – novas explorações sonoras, interpretações ao vivo ou paletas instrumentais inteiramente novas?

Isso é difícil de prever. No momento, não acho que posso superar DESDOBRAMENTO. Como perfeccionista, sempre me esforço para garantir que o novo supere o que veio antes. Tenho que deixar o tempo passar e ver se surge algo novo. Quando toco ao vivo de vez em quando, é algo muito simples e silencioso, então há bastante espaço para “me comunicar” musicalmente com o público. Portanto é a música do momento, arranjada de forma muito simples.