Entrevista com LOBE – Som Obscuro

O álbum de estreia do LOBE ‘foi de propósito?’ captura a química lúdica e enraizada no jazz do grupo, passando das voltas de alta energia de “Sucker Punch” ao balanço elegante de “Hummingbird Dances” e ao calor noturno de “moon jelly”. Conversamos com o coletivo sobre como moldar esses momentos, a dinâmica por trás de sua colaboração e as surpresas que alimentaram o disco.

O álbum abre com “Sucker Punch”, que imediatamente agarra o ouvinte com suas mudanças tonais dinâmicas – movendo-se entre a sofisticação vibrante do jazz e a intriga atmosférica carregada de guitarra. Qual foi a centelha para essa faixa e como ela se tornou a abertura do disco?

Nolan: Esta foi na verdade minha primeira composição completa de jazz e reúne muitos fragmentos de ideias que cresceram comigo e com a banda ao longo do tempo. Quando comecei a escrever em 2017, ainda no ensino médio, tive uma ideia para a seção A. Formalizei-o mais com um grupo no segundo ano da faculdade em 2019 e orquestrei vozes mais melódicas em 2022, e gravamos várias vezes entre 2022 e 2024 e acabamos incorporando Sam no violino e adicionando as ondas de guitarra de Mark para dar textura. A música recebeu o nome do nosso baixista anterior, Joe Goldfrank, que sempre percebeu a reviravolta da seção A como um “golpe ruim” devido à sensação de que uma batida foi cortada em algum lugar.

Por ser uma das nossas primeiras músicas, fazia sentido começar com ela, e também gostamos que deu a sensação de que o álbum já estava em andamento quando começou. Normalmente começamos o Sucker Punch com uma introdução de piano, mas a introdução do álbum pareceu mais adequada como um encerramento dado o seu efeito, então fizemos do álbum um grande círculo.

A improvisação é central no som de LOBE, referenciada no título do álbum, também claramente guiada pela escuta atenta e pela intuição partilhada. Como você equilibra composição estruturada com interação espontânea ao criar uma faixa?

LOBE com certeza não seria LOBE sem improvisação, e sempre incluímos seções de músicas que são veículos para permitir que as ideias fluam no momento. De certa forma, nossas músicas são semelhantes a muitas composições de jazz. Temos ideias escritas e definidas e seções interpretativas mais livres onde improvisamos sobre os acordes e estruturas relacionadas que as seções escritas ajudam a estabelecer. Talvez diferente de muitos artistas de jazz é que nossas músicas muitas vezes têm seções escritas mais longas para o desenvolvimento de ideias, embora mesmo estas contenham partes que são amplamente abertas à interpretação pela seção rítmica (baixo, bateria, guitarra, piano).

“Hummingbird Dances” lança um feitiço mais elegante, com ritmos suaves, instrumentos de sopro em camadas e piano tranquilo. Como surgiu a energia criativa dessa faixa e como ela se compara aos momentos de maior energia do álbum?

A ideia por trás de Hummy era escrever uma música divertida e alegre. Mark toca muita música antiga/bluegrass fora do LOBE, e Daiki também gosta muito de música folk, Daiki e Michael gostam muito de ouvir J-pop e disco, então o objetivo era criar uma maneira criativa de misturar todos esses elementos em uma música coesa. A música folclórica e a discoteca são músicas de dança comunitária de diferentes épocas históricas, de modo que o tema “música de dança” e “comunidade” tornou-se uma espécie de linha que une as diferentes seções. A maneira como construímos energia em Hummy é talvez mais controlada do que outras músicas do álbum e segue mais o idioma da dance music, pois há sempre uma clave ou pulsação consistente. Isso proporciona uma sensação mais dançante em comparação com outras faixas que fogem da regularidade métrica

Sua amizade de longa data parece moldar seu diálogo musical. Como é que nos conhecermos tão bem influencia a maneira como vocês correm riscos ou experimentam no estúdio?

O estúdio é interessante para nós porque valorizamos muito o espaço para a espontaneidade que a performance ao vivo proporciona. Tentamos preservar essa abertura em nossas gravações de estúdio usando tomadas de banda completa tanto quanto possível, devido à profundidade com que influenciamos uns aos outros. Também aceitamos apertar o botão de gravação repetidamente: permitir o “fracasso” significa que temos espaço para assumir riscos ao gravar e preservar o máximo possível de nossa tomada de decisão coletiva em tempo real.

Você tem um processo típico para escrever músicas? Começa com um instrumento ou músico ou chega em uma sessão espontânea mais amigável?

Porque nos conhecemos muito bem a nível pessoal e porque tocamos juntos há tanto tempo, as ideias composicionais que geramos já são personalizadas para os membros em certo sentido: a forma como escrevemos já mantém a voz de cada pessoa em mente desde o início. Tendemos a escrever para as pessoas e não apenas para o instrumento.

Por alguma razão, todos nós que escrevemos (atualmente Daiki, Nolan, Michael e Ethan) escrevemos no piano, então o processo sempre começa com alguém sentado ao piano, se perdendo em ideias. Normalmente, um de nós traz uma melodia em algum estágio de completude (variando de

esboços básicos até a composição quase completa), e vamos tocá-los e oficinar quaisquer partes que estejam lá. Às vezes, a pessoa que o trouxe está procurando feedback específico para desenvolver alguma seção; nesse caso, experimentaremos e trocaremos ideias até que algo dê certo. Na maioria das vezes, a banda faz as músicas soarem dez vezes melhor do que imaginávamos inicialmente em nossas cabeças, e isso é sempre uma sensação mágica. Esta vontade de mudar as nossas ideias durante o ensaio permite que as nossas composições cresçam organicamente em torno das contribuições e habilidades de cada músico.

“Moon Jelly” é particularmente memorável por sua progressão do jazz noturno e lounge para uma seção apaixonada de saxofone na segunda metade. Como esse arco se desenvolveu e sempre fez parte do plano?

Moon Jelly foi escrita para contrastar muitas de nossas músicas, que tendem a ser um pouco frenéticas e energéticas. Queríamos realmente evocar a sensação de estar na seção de águas-vivas de um aquário – a atmosfera da seção de águas-vivas sempre parece que você é transportado para outro mundo. Calmo e lento, flutuante e gentil, um pouco frio, quarto escuro com luzes azuis/roxas/rosa, etc. Eles vivem em grupos, mas parecem um pouco solitários, todos fazendo suas próprias coisas. O arco surgiu naturalmente no estúdio – Ethan decidiu tocar com muita paixão e a seção rítmica realmente o apoiou. Então eu acho que não foi de propósito?

Sua reinterpretação lúdica de “Ob-La-Di, Ob-La-Da” dos Beatles mistura ritmos intrincados com uma sensação de nostalgia. O que atraiu você nessa música e como você abordou a reformulação dela para seu som coletivo?

Embora os ritmos e harmonias sejam muito diferentes do original, esse arranjo na verdade surgiu de forma muito natural. Tentamos ser ao máximo divertidos nesta música e torná-la cheia de surpresas, por isso ela está constantemente mudando e se transformando dentro e fora da sensação central de 11 batidas, até mesmo movendo-se entre diferentes agrupamentos dentro de 11 batidas (um 11 “pequeno” com semicolcheias divididas em 4+3+4 e um 11 “grande” com colcheias divididas em 5+6). Também nos concentramos não apenas em tornar o arranjo realmente criativo, mas também em fazer com que todas essas seções parecessem coesas e óbvias, como “ah, é claro que a versão LOBE de Ob-La-Di soa assim!”

Os agrupamentos finais e a sensação se reuniram após um ensaio que apenas Daiki e Michael puderam comparecer, no qual Daiki trouxe uma versão inicial da música em uma métrica estranha da qual não nos lembramos. Michael sugeriu outra sensação (9 batidas divididas em 5 e 4) que acabamos não aceitando, mas ajudou Daiki a descobrir a versão final do Ob-La-Di que você ouve no álbum.

O título do álbum levanta uma questão intrigante sobre intenção versus acaso. Como você navega nessa tensão como grupo?

Superar essa divisão está no cerne da nossa prática de improvisação. Como todos nos conhecemos tão bem, sempre que arriscamos no momento, quase podemos ver através das ações a intenção por trás delas. Essa concentração permite uma variedade incrível em tempo real e tomadas de decisão espontâneas em nossos shows ao vivo.

Por exemplo, uma vez, Ethan acidentalmente começou uma de nossas músicas (“set time”) em um tom diferente. Nolan considerou seriamente a transposição em tempo real para combinar, mas decidiu não fazê-lo e, de alguma forma, Daiki foi capaz de discernir essa confusão mental no momento e estava pronto para acompanhá-lo conforme necessário. Essa capacidade de pensarmos juntos representa a alegria da química e da colaboração que todos sentimos quando improvisamos em grupo.

Qual é o seu local favorito para se apresentar?

Locais pequenos e intimistas são os nossos favoritos: lugares onde podemos ver cada membro do público e ouvir uns aos outros acusticamente; locais voltados para a escuta atenta; espaços acústicos que permitem ouvir claramente dinâmicas suaves e altas; talvez estejamos sendo obtusos ao não fornecer nomes, mas muitos lugares se enquadram nessa descrição. Grite para Bird e Beckett (uma combinação de livraria e local de música ao vivo) por sua gestão de som exemplar e práticas de salário justo e para nosso amigo Taylor Goss por apresentar shows caseiros de nível profissional, mas aconchegantes, completos com lâmpadas vibrantes no quintal.

Se você pudesse colaborar com qualquer artista, vivo ou morto, quem seria? Temos muitas colaborações de sonho entre todos nós para entrar em todos os detalhes, então aqui está uma lista sem explicação:

Nolan:

• Vivo: Sam Gellaitry/Salami Rose Joe Louis
• Morto: Ahmad Jamal/Joe Henderson

Sam:

• Vivo: Willow Smith/Bells Atlas
• Morto: Amy Winehouse

Miguel

• Vivo: Tigran Hamasyan/Matthew Stevens
• Não estou morto, mas não estou jogando mais: Eberhard Weber

Daiki:

• Vivo: Joni Mitchell
• Morto: Chick Corea

Ethan:

• Vivo: Daft Punk
• Morto: Mac Miller

Marca:

• Vivo: Bill Frisell
• Morto: Stan Rogers

O que está por vir no futuro para o projeto?

Desde a gravação de “isso foi de propósito?”, na verdade escrevemos uma lista de músicas que estamos ansiosos para gravar e lançar. Nós encorajamos qualquer membro da banda a trazer novas músicas, e o novo lote foi escrito por mais membros da banda (algumas de Nolan e Daiki, é claro, mas também algumas de Michael e Ethan). Espere mais daquela textura e diversão exclusivas do LOBE, mas com mais de nossas vozes composicionais individuais.

Também planejamos continuar a turnê em um futuro próximo, esperançosamente na Costa Leste e novamente na Califórnia após o lançamento do nosso segundo álbum!